Blog

Jul 07, 2023

Estilo apropiado: una entrevista con René Treviño

Vista de la instalación de René Treviño, “Flare” en la Galería Erin Cluley. Foto: Kevin Todora, cortesía del artista y Erin Cluley Gallery. Flare, cuarta exposición individual de René Treviño en la Galería Erin Cluley en

Vista de la instalación de René Treviño, “Flare” en la Galería Erin Cluley. Foto: Kevin Todora, cortesía del artista y Erin Cluley Gallery.

Flare, la cuarta exposición individual de René Treviño en la Galería Erin Cluley de Dallas, presenta obras de arte pintadas a mano que abordan narrativas históricas y su intersección con la identidad. Combinando imágenes apropiadas del canon histórico del arte occidental con imágenes específicas de su propia identidad como hombre gay mexicano-estadounidense, Flare invita a los visitantes a reimaginar la historia y nuestra conexión con ella en el presente. Me reuní con René Treviño para ver la exposición y escuchar más sobre las obras de arte expuestas.

Megan Wilson Krznarich (MK): Quiero empezar hablando del título de la exposición, Flare. ¿Cómo llegaste a eso? ¿Cuál es su significado para ti?

René Treviño (RT): Hice estas piezas de Solar Flare hace uno o dos años, así que eso es parte de ello. Pero también me gusta que flare sea un homónimo; son dos palabras que suenan igual, pero se escriben diferente. Hay destellos y también estilo. Me encantó que pudieran ser ambas cosas. Son las erupciones solares literales, pero también tiene ese estilo. Ya sabes, me gusta poner diamantes de imitación, me gusta el rosa intenso, me gustan los encajes y las aplicaciones.

Vista de la instalación de René Treviño, “Solar Flare II”, “Solar Flare III” y “Solar Flare I”, 2021, acrílico y pedrería sobre Dura-Lar. Foto: Kevin Todora, cortesía del artista y Erin Cluley Gallery.

MK: Para empezar, ¿qué despertó su interés en las erupciones solares?

RT: Muchas de mis pinturas terminan siendo formas circulares dentro de cuadrados. Estamos en esta esfera gigante, miramos hacia arriba y el sol nos ilumina, la luna nos guía en la noche y luego están las estrellas. Todas estas son esferas. Entonces, la forma de la esfera me parece muy importante. Además, me encantan las imágenes del espacio. Para mí, el espacio es muy optimista y mirar hacia arriba es el máximo acto de optimismo porque hemos causado algún daño aquí en la Tierra. Por eso me gusta mirar al espacio y pensar en los lugares en los que aún no hemos estropeado.

Creo que las llamaradas solares son hermosas. Son tan poderosos, con un tipo de calor que ni siquiera podemos imaginar. Las llamaradas solares en las obras provienen de imágenes fijas, pero con los diamantes de imitación puedes imaginar estas formas en movimiento y proporcionan un cierto tipo de parpadeo. Dependiendo de dónde estés, obtienes un tipo diferente de brillo, hasta que comienza a mover la obra de arte un poco como la superficie del sol, que siempre está en movimiento. Y me encantan los diamantes de imitación.

MK: Sí, hay un juego de luces que proporciona una especie de dinamismo. También creo que la idea del espacio como algo optimista es interesante. Existe la sensación de que el espacio posiblemente sea nuestro futuro debido al daño que le hemos causado a este planeta. Su trabajo tiene un fuerte sentido de mirar hacia el futuro, pero gran parte también se relaciona con la historia.

RT: Me gusta esa dicotomía. Amo historia. Me gusta aprender sobre las cosas que sucedieron antes y las lecciones aprendidas que nos ayudan a avanzar de una manera nueva. Pero también me gusta pensar en el futuro, porque siempre estamos entre el pasado y el futuro.

MK: Es una idea interesante, porque hay mucho que escribir y reescribir tanto para el pasado como para el futuro. Hay que reimaginar historias que se han contado desde ciertas perspectivas, pero también seguimos escribiendo el futuro y debemos asegurarnos de incorporar múltiples perspectivas a medida que lo hacemos.

Vista de la instalación de René Treviño, “Peso de la Historia del Arte (después de Tacca y DaVinci)” y “Peso de la Historia del Arte (después de Tacca y Mexica)”, 2022, acrílico sobre Dura-Lar. Foto: Kevin Todora, cortesía del artista y Erin Cluley Gallery.

RT: Eso es exactamente. La historia es una de esas cosas en las que siempre hay que tener en cuenta quién cuenta la historia, porque muy a menudo son las personas que ganaron, o las personas que salieron victoriosas, las que dictan cómo se recuerda la historia. Siempre hay que encontrar formas alternativas de investigar y obtener una imagen más holística de lo que realmente sucedió. Además, me encantan los héroes o la idea del heroísmo. Pero cuando piensas en alguien que es un héroe, es el villano de otra persona. Siempre es realmente complicado.

Por ejemplo, Hércules es un héroe que amamos. Me encantaba leer esas historias de Hércules cuando era niño, sobre todas las diferentes pruebas por las que tuvo que pasar. Pero luego piensas, pues espera, ¿qué le hizo ese perro de tres cabezas a él o a cualquiera? Apoyamos a Hércules, pero para otra persona Hércules no es el héroe, lo cual creo que es el caso de casi cualquier héroe. Están haciendo cosas realmente sorprendentes y maravillosas, pero también se puede ver la otra cara de la moneda.

MK: ¿Puedes compartir más sobre las obras de Hércules en el programa?

RT: Se trata del peso, de la carga en el momento de las pruebas cuando Hércules le quita los cielos a Atlas. Así que aquí está Hércules, mitad hombre y mitad Dios, sosteniendo los cielos. Se trata de una pintura de bronce del Renacimiento italiano, y en la escultura original hay una esfera cubierta con símbolos del zodíaco. Saqué esos símbolos del zodíaco. La primera versión que hice tiene el calendario azteca, que es un símbolo poderoso que se ve en todas partes. He visto la piedra del calendario mexica en la Ciudad de México, en el Museo Nacional de Antropología, y es un objeto muy hermoso y poderoso. Pensé que sería interesante cargar a Hércules con el peso de la opresión mexicana, la forma en que los mexicanos han sido oprimidos históricamente.

Originalmente pensé que la segunda versión sería la misma, solo que el reverso de la versión en piedra del calendario azteca, pero luego vi este nudo de Leonardo da Vinci, que encontré a través de una serie de pinturas de nudos de Alberto Durero. No me di cuenta de que Durero estaba mirando a da Vinci, quien hizo toda una serie de sus propios nudos. Me pareció interesante que Durero se estuviera apropiando; Nos gusta pensar que la apropiación es algo completamente nuevo, una idea contemporánea, pero en realidad ha estado ocurriendo durante mucho tiempo.

También me pareció interesante colocar a da Vinci encima de Hércules. Da Vinci es a menudo la persona de la que más se aprende en los textos de historia del arte, y pensé que era interesante que Hércules soportara el peso de esta historia, porque la forma en que aprendemos sobre la historia del arte es complicada. Cuando estaba aprendiendo historia del arte por primera vez en Texas A&M, las clases eran geniales, pero realmente se centraban en la historia del arte occidental. Si quieres salirte de ese canon occidental, tienes que salir y hacer esa investigación de forma independiente. Creo que está mejorando, pero me gusta mucho la idea de que Hércules esté abrumado por ese peso.

MK: Sí, lo encontré realmente intrigante cuando entré por primera vez a la galería y vi esta combinación de imágenes que estamos acostumbrados a ver del canon occidental tradicional con imágenes mesoamericanas, y específicamente aztecas. Se trata de reinsertar eso en la conversación, porque creo que muchas veces cuando hablamos de historia del arte, tienes clases de historia del arte de la civilización occidental y luego aprendes sobre otras culturas por separado. En realidad, debe ser una visión más holística. Me encanta ver estas ideas en conversación en una obra de arte.

RT: Creo que también me habla a mí y a mi identidad como mexicano que es mestizo. Estaba teniendo una conversación realmente hermosa con una amiga mía y estábamos hablando de lo que significa ser mexicano. Una frase con la que a muchos mexicanos les gusta identificarse es el término mestizo, que significa mestizo, o la mezcla entre el colonizador europeo y la gente que fue colonizada. Es algo complicado, pero creo que es la forma en que la mayoría de los mexicanos se sienten cómodos identificándose. Por supuesto, eso se manifiesta en el trabajo en que es una mezcla de todas estas cosas diferentes que estoy sacando para llegar a esa imagen final.

Vista de la instalación de René Treviño, “Unicorn (Fluorescent Red, After Susini and Giambologna)” y “Unicorn (Fluorescent Pink, After Susini and Giambologna)”, 2022, acrílico sobre Dura-Lar. Foto: Kevin Todora, cortesía del artista y Erin Cluley Gallery.

MK: ¿Puedes compartir más sobre estos unicornios? Parecen hacerse eco de las pinturas de Hércules, en color y en su apropiación de las imágenes del Renacimiento.

RT: Tenía un plan para este espectáculo y los unicornios no eran necesariamente parte de él. Estos se basan en una apropiación por parte del escultor Susini de la escultura de un caballo del famoso artista renacentista italiano Giambologna. Vi la postura del caballo, que es orgullosa y performativa, con una pierna en alto, y pensé: "tiene que ser un unicornio y tiene que ser de color rosa intenso". La imagen del caballo era tan convincente y mi necesidad de convertirlo en un unicornio era tan fuerte que detuve todo para hacer estas dos piezas.

MK: El color es muy atrevido y vibrante.

RT: También es un regreso para mí, porque hubo un momento en la escuela de posgrado en el que estaba haciendo casi exclusivamente pinturas de color rosa intenso. Hay algo en el rosa intenso y sus asociaciones con la cultura queer: hace referencia al triángulo rosa que los homosexuales se vieron obligados a usar durante la Alemania nazi como identificación, y a la recuperación de ese símbolo que ocurrió en las décadas de 1960, 1970 y 1980. Creé pinturas de color rosa intenso durante mucho tiempo y luego dejé de hacerlo durante 20 años. Pero cuando vi ese caballo, supe que el rosa intenso necesitaba regresar. Fue genial usar ese rosa súper intenso para estos unicornios y luego nuevamente en las obras de Hércules.

MK: Es maravilloso que estés volviendo al rosa y tirando de ese hilo nuevamente. Reexplorar esas ideas. ¿Veremos más de eso en el futuro?

RT: Creo que sí. Es un color tan seductor. Hace mucho calor y un poco deslumbrante si lo miras con demasiada atención. Pero me encanta. Entonces, definitivamente creo que vendrán más rosas fuertes.

Vista de la instalación de René Treviño, “Stag Party”, 2006-2007, acrílico sobre Dura-Lar. Foto: Kevin Todora, cortesía del artista y Erin Cluley Gallery.

MK: Tenemos que hablar de las cabezas de venado.

RT: Nuevamente, tenía un plan sobre el trabajo que iba a incluir en esta exhibición, y estos son del 2006. Hice los unicornios rosados ​​y mirarlos me hizo pensar en estas cabezas de venado. Crecí en Texas; mi familia vivía en las ciudades de Temple, Victoria y Alice. La familia de mi padre es de Laredo y la familia de mi madre es del área de Edroy/Corpus. La caza es una parte importante de la cultura en Texas de alguna manera. Si bien nunca lo hice, es un rito de iniciación importante para mucha gente. Así que los saqué para esta exhibición; Recordé haber pintado algunos de ellos: sus caritas son muy específicas.

MK: ¿Son pinturas de taxidermia?

RT: Sí. Se los ve en pabellones de caza, tiendas de taxidermia, por supuesto, pero están por todas partes.

Sé que hay mujeres que cazan, pero es una ocupación en gran medida dominada por los hombres, un rito de iniciación masculino. Creo que hay algo realmente interesante en esa energía machista que se dedica a la caza. Además, los ciervos que son los más deseables, los mejores “trofeos”, son los machos con una extensión muy amplia; lo que quieres es ese 20 punteros con una extensión muy amplia. Creo que hay algo realmente interesante en esta búsqueda masculina de lo masculino. Se convierte en una gran búsqueda homoerótica.

René Treviño

MK: Muestras mucho aquí en Texas, pero sé que actualmente no vives en Texas. Veo mucho de Texas en tu obra de arte. ¿Comenzaremos a ver más de Baltimore, su hogar actual, también llegar?

RT: Baltimore está totalmente ahí. Como artista, paso mucho tiempo analizando recuerdos de la infancia. Pero, por supuesto, creo que también siempre estás influenciado por el lugar en el que pasas el tiempo. Entonces, Baltimore definitivamente se ha infiltrado.

MK: ¿Hay ciertas cosas que espera que los visitantes se lleven de esta exposición?

RT: Con suerte, cuando miras las obras de arte, tal vez te remitan a un recuerdo personal específico. Puede que no sea lo que pretendía, pero puede ser lo que tú aportas. Creo que es la manera más hermosa de involucrarse con el trabajo.

MK: Es como una conversación con los visitantes.

RT: Eso espero. No quiero que sea un sermón. Quiero que sea una conversación. Me encanta eso.

René Treviño | Flare estará expuesta en la Galería Erin Cluley de Dallas hasta el 11 de febrero de 2023.

Esta entrevista ha sido ligeramente editada para mayor extensión y claridad.

Guarde mi nombre, correo electrónico y sitio web en este navegador para la próxima vez que comente.

D