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Jun 25, 2023

The Daily Heller: arte japonés que resalta con energía y homenaje

La mayoría de los estadounidenses conocen el trabajo de Tadanori Yokoo. Su diseño pirotécnico (en particular carteles y libros) refleja y trasciende los años psicodélicos de los años 60 y 70. Nacido en 1936, es uno de los personajes más importantes de Japón.

La mayoría de los estadounidenses conocen el trabajo de Tadanori Yokoo. Su diseño pirotécnico (en particular carteles y libros) refleja y trasciende los años psicodélicos de los años 60 y 70. Nacido en 1936, es uno de los artistas gráficos y de diseño teatral de vanguardia de Japón más reconocidos internacionalmente. Los primeros trabajos de Yokoo muestran la influencia de Push Pin Studio, especialmente en su explosión de colores brillantes y formas extravagantes.

Sin embargo, esta no es una historia sobre Yokoo, sino más bien sobre un artista japonés afín, casualmente nacido en 1936, que es menos conocido entre los yokoófilos aquí en los Estados Unidos, aunque predigo que no por mucho tiempo. En menos de un mes, Keiichi Tanaami recibirá la atención que merecía.

Tanaami, de 86 años, figura destacada de la escena artística japonesa de posguerra y progenitor de los movimientos pop japonés y superplano, estrenará una “suite ópticamente deslumbrante” de nuevas pinturas a gran escala en la ecléctica galería Venus Over Manhattan de la ciudad de Nueva York. Keiichi Tanaami: Manhattan Universe (del 8 de septiembre al 8 de octubre) será una atracción segura gracias a los enérgicos experimentos de Tanaami con la forma pictórica, encendidos por la fusión de influencias culturales japonesas y estadounidenses (incluidas referencias a los psicodélicos de los años 60 y los cómics underground). por artistas como Rick Griffin y Victor Moscoso), así como su característica intensidad de color, implacable poder gráfico y viñetas de ventanas únicas. La galería también presentará animaciones y una docena de lienzos monumentales, que ofrecerán una muestra del recorrido museístico europeo del artista en 2023/2024.

Como señala la galería, “Alcanzando prominencia en la década de 1960, el trabajo de Tanaami registró la influencia de las imágenes manga, el movimiento Neo-Dada en Japón” y la experiencia de su infancia durante la Segunda Guerra Mundial. Las referencias a la guerra son un motivo recurrente en la obra de Tanaami, que a menudo presenta imágenes de ataques aéreos, bengalas y explosiones de luz blanca procedentes de la detonación de explosivos. Sus pinturas también están profundamente influenciadas por los recuerdos de su infancia sobre kamishibai, producciones de teatro público para niños japoneses. El trabajo de Tanaami se destaca por la manera en que yuxtapone imágenes comerciales de la cultura occidental con estilos gráficos tradicionalmente japoneses, incluidos el manga y la impresión en madera.

"Al explorar la tensión entre fuerzas dispares, como Oriente y Occidente, la violencia y la inocencia, las imágenes comerciales y el arte elevado, Tanaami ha surgido como un dador de forma para las generaciones posteriores de artistas en activo".

Sin embargo, el trabajo de Tanaami para esta exposición no es enteramente esta explosión de pop, sino que incluye una dirección completamente diferente, aunque irónica, en su producción actual. Durante el COVID, como escribe en los materiales de la galería: “Pasé mis días de brazos cruzados. … Me invadió la sensación de que tenía que hacer algo”. A Tanaami le gustó mucho hacer reproducciones del cuadro de Picasso Madre e hijo (Mère et enfant) de 1943.

“Siento que el simple proceso de copiar colores y formas sin necesidad de realizar ningún tipo de prueba o error es similar a la práctica de copiar sutras que una vez tuve la oportunidad de experimentar. Me sorprendió que pintar únicamente como un medio para encontrar la tranquilidad, sin intenciones fijas, plazos o planes de exposición, pudiera conducir a una satisfacción tan consciente. Este encantador período aún continúa, y hoy me encuentro nuevamente obsesionado con Picasso, mientras dejo de lado los proyectos en los que me han pedido que trabaje”. El resultado es como si un artista totalmente diferente pintara estos emocionantes homenajes.

Steven Heller ha escrito para PRINT desde la década de 1980. Es copresidente de SVA MFA Designer as Entrepreneur. Heller, autor, coautor y editor de más de 200 libros sobre diseño y cultura popular, también recibió el Premio Nacional de Diseño del Instituto Smithsonian por "Design Mind", la Medalla AIGA a la Trayectoria y otros honores. Fue director de arte senior en The New York Times durante 33 años y también escritor de obituarios y columnista de reseñas de libros para el periódico. Sus memorias, Growing Up Underground (Princeton Architectural Press) se publicaron en 2022. Algunos de sus ensayos recientes están recopilados en For the Love of Design (Allworth Press).